Los textos reunidos en este libro ?redactados por investigadores españoles y otros expertos europeos y estadounidenses? tienen por objeto analizar las diversas estrategias y perspectivas con las que el cine se ha ocupado del hecho turístico a lo largo de las décadas. Al variar sustancialmente de unas épocas a otras, ese tratamiento constituye un reflejo de las decisivas transformaciones habidas en la sociedad española durante el último siglo.

Desde su origen en EEUU, la novela y el cine negro documentaron la crónica más sombría de los acontecimientos sociales, económicos y políticos acaecidos en el mundo. A partir de la II Guerra Mundial, escritores y directores europeos, especialmente en Francia, Gran Bretaña, Italia y España, acogieron con entusiasmo su fuerza expresiva creando sus propias expresiones artísticas de denuncia. A pesar de los cambios históricos, el género sigue vigente, conservando su esencia y adaptando las convenciones propias al devenir. La revitalización, tanto en la narrativa como en el cine de 1990-2010, muestra su capacidad para trascender ámbitos geográficos, históricos e ideológicos. Desde varios campos de estudio, la historia del pensamiento, la teoría crítica y literaria, las teorías poscoloniales y de género, en este libro se analizan obras de autores más representativos de la narrativa y del cine negro europeos, incluyendo las innovaciones de Grecia, Turquía y los países nórdicos.

Este volumen indaga en las cuestiones inherentes a los objetos artísticos y aborda las múltiples aristas del fenómeno de la intertextualidad en el terreno del cine poniendo el foco en un caso ejemplar: Una mujer de París, el filme-eclipse de Charles Chaplin, y Playtime, la obra maestra de Jacques Tati, entablan un fascinante juego de referencias cruzadas que sale a la luz con todos sus matices gracias a El botones (1961), la primera película que dirigió Jerry Lewis. Imanol Zumalde es profesor del departamento de Publicidad y Comunicación Audiovisual de la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación (UPV/EHU).

En comparación con otras etapas del cine español, los años cuarenta han sido relativamente poco estudiados. Asistimos en esos primeros años al planteamiento y reformulación de un discurso orientado a la supervivencia, camaleónico, pero siempre fiel a sus convicciones de 1936: la reivindicación de una guerra presentada como necesaria y las ansias imperialistas en ultramar. Es esa continuidad bajo el cambio lo que permite agrupar sus filmes en un paradigma narrativo e ideológico común: el «modelo cruzada».

Historia de la revolución mexicana a través del cine norteamericano

Hitchcock, en su octavo filme, Spellbound (1945), da cuerpo a una de
las formulaciones del hecho pasional más nítidas y pregnantes de
toda su carrera a través de un rico dispositivo visual en el que los elementos
configuran la pluralidad de dimensiones de un universo lirico
donde todas las líneas convergen en un solo punto: la representación
de la pasión. Este libro analiza la evolución de dicho dispositivo desde el
cine clásico que el autor de Vértigo
representa, hasta la obra de unos
de los más radicales cineastas de
la historia, Michelangelo Antonioni.
Su punto de partida es sencillo:
la pasión es la esencia misma del
cine. Una pasión transmitida a través
de un poderoso y vastísimo tejido
de miradas, de movimientos,
de gestos que generan múltiples
procesos de conocimiento; una
pasión que nace constantemente
en el seno de las historias narradas
por las películas.